EL 29 DE DESEMBRE DE 1876 NEIX PAU CASASLS

Pau Casals

Pau Casals ha estat un dels millors violoncel·listes del segle XX i reconegut internacionalment com un dels millors intèrprets i directors d’orquestra del seu temps.

Nascut al Vendrell el 29 de desembre de 1876, va mostrar ja des de la infantesa una gran sensibilitat per la música. El seu pare, també músic, li va transmetre els primers coneixements musicals, que Pau Casals va ampliar amb estudis a Barcelona i Madrid. Amb només vint-i-tres anys va iniciar la trajectòria professional i va actuar com a intèrpret en els millors auditoris del món. Com a intèrpret, va aportar canvis innovadors en l’execució del violoncel, i va introduir-hi noves possibilitats tècniques i expressives. Com a director, buscava igualment la profunditat expressiva, l’essència musical que ell assolia amb el violoncel. Pau Casals també va exercir com a professor i compositor, amb obres com l’oratori El Pessebre, que es va convertir en un veritable cant a la pau.

El desenllaç de la Guerra Civil Espanyola el va obligar a marxar a l’exili i a residir, primer, a Prada de Conflent (França) i, després, a San Juan de Puerto Rico.

A més de la seva extraordinària carrera com a músic, Pau Casals va mantenir sempre una dedicació incansable a la defensa de la pau i de la llibertat. Els nombrosos concerts benèfics, la implicació en accions humanitàries i les diverses intervencions a les Nacions Unides el van caracteritzar com un home de pau.

Pau Casals va morir l’any 1973, a l’edat de noranta-sis anys, a San Juan de Puerto Rico. Actualment, les seves despulles descansen en el cementiri del Vendrell.

L'Associació Cultural d'Areny us desitja unes bones festes
La Associació Cultural d'Areny os desea unas felices fiestas

VICTORIO MACHO UNO DE LOS MEJORES ESCULTORES ESPAÑOLES DE PRIMERA MITAL DEL SIGLO XX

El escultor Victorio Macho (Palencia 1887-Toledo 1966) fue junto al malogrado Julio Antonio uno de los escultores españoles más importantes de la primera mitad del siglo XX. Después de una breve estancia en Santander, en 1903 viaja a Madrid como pensionado por la Diputación provincial de Palencia para estudiar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Tras un primer examen de ingreso fallido, consigue entrar como alumno en 1905 con el primer premio de Escultura. En la Escuela conoce otros estudiantes como Enrique Lorenzo Salazar, Julio Antonio, Leandro Oroz, Miguel Viladrich, José Robledano y José Gutiérrez Solana, con quien simpatiza y acompaña en sus protestas contra el excesivo historicismo y naturalismo de algunos de los profesores de la institución. En estos años de formación lleva una vida bohemia, comparte estudio con otros artistas y frecuenta las tertulias madrileñas, primero la del Nuevo Café de Levante , luego la del Pombo. Precisamente en la primera conoció a Valle-Inclán en esta época, cuando todavía era un estudiante de la Escuela de Bellas Artes. Durante estos años será apodado como El Selvático, dado su carácter rebelde, independiente y apasionado. Su primera gran obra fue el monumento funerario al Doctor Llorente (1917), pero su consagración como escultor la obtuvo con el monumento a Galdós (1919), con quien le unía una fuerte amistad. La estatua sedente del autor de los Episodios Nacionales se sufragó por subscripición popular y se colocó en la rosaleda del parque del Retiro. En 1921 el escultor palentino celebró su primera exposición personal en el Museo de Arte Moderno. Al año siguiente ocupa la sala central en la Exposición de artistas ibéricos. En esta etapa su obra tiene un carácter realista y racial, que pronto abandonará para realizar una escultura mucho más simbólica. Participa en la Bienal de Venecia de 1926 donde triunfa con su estatua yacente de «El Hermano Marcelo». En 1929 esculpe varios bustos de Ramón del Valle-Inclán. En noviembre de ese mismo año, a raíz del exilio de Unamuno en Hendaya, visita al rector salmantino e inicia con él una duradera amistad, que da sus frutos en el magnífico busto de Unamuno, colocado en la actualidad en el Palacio de Anaya de Salamanca. Durante la República opta, en competencia con Valle-Inclán, a la dirección de la Academía Española de Bellas Artes de Roma, cargo que ocupará finalmente su viejo amigo. En julio de 1936, iniciada ya la guerra civil, es elegido miembro de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En 1937 es evacuado por el gobierno a Valencia, de donde parte para París donde proseguirá su labor escultórica. En la capital francesa sufre un grave accidente al caerse de un andamio mientras trabajaba. La rápida intervención del pintor Francisco Pompey evita su muerte. Al finalizar la contienda civil se exilia en Hispanoamérica y recibe encargos escultóricos, casi siempre monumentales, de los gobiernos colombiano, peruano y panameño. En 1952 regresa a España y fija su residencia y estudio en Toledo, en un acantilado sobre el Tajo, en Roca Tarpeya. De nuevo realiza monumentos escultóricos como el funerario a Menéndez Pelayo (1956), el busto de Menéndez Pidal (1959) o el monumento a Benavente del Retiro madrileño (!962). Muere en julio de 1966 en su casa-estudio de Roca Tapeya de Toledo, sede actual de la Fundación Victorio Macho donde se expone la mayor parte de su obra.

1933 Las mujeres españolas votan por primera vez en unas elecciones legislativas.

CLARA CAMPOAMOR LUCHADORA DEL VOTO FEMENINO

Nace en el barrio madrileño de Maravillas el doce de febrero de 1888, en una familia de origen humilde. Su madre era modista y su padre, contable de un periódico

A la muerte de éste, se ve obligada a interrumpir sus estudios y ponerse a trabajar y lo hace en el cuerpo de Correos y Telégrafos en 1909.
Esta mujer es símbolo de la lucha de otras muchas mujeres por la conquista de un derecho básico del ser humano: elegir a sus representantes.

Estos rasgos van a marcar el desarrollo de su carrera. Se inclinó primero por el asociacionismo, con lo que creó la Asociación Femenina Universitaria, primera de varias organizaciones similares a lo largo de su vida. Intervino frecuentemente en ciclos de conferencias y tertulias de los intelectuales de Madrid, y colaboró durante una temporada en el periódico La tribuna, con una columna. Pronto se adhirió a las filas republicanas del Partido Radical de Lerroux y consiguió un escaño con el advenimiento de la II República, el cual le valió para votar a favor del artículo 36 que posibilitó el voto femenino.

Algunos de sus contemporáneos -y algunos historiadores se encargarn de recoger- desconfiaban de dar el voto a la mujer por ser un ser inmaduro políticamente y presuponiendo que harían lo que les dijera su confesor (y por tanto, votar a la derecha). Se culpó a las mujeres del fracaso electoral de la izquierda en 1933, pero también ellas votaron en 1936 cuando el Frente Popular(coalición de partidos de izquierdas) salió vencedor. Con el fracaso de 1933, Clara Campoamor perdió su escaño. Con el estallido de la Guerra Civil española (1936-39) huyó a Francia, donde escribió sus experiencias y algunas biografías. Luego se marchó a Suiza a trabajar como abogada hasta que un cáncer acabó con su vida.

TRADICIONS NADAL "LA TRONCA"

Ja que ens acostem al Nadal, explicarem la tradició de "LA TRONCA" a la Ribagorça ,abans que vingués el consumisme.

Havia de ser de pi o de Freixe. Els avis o pares hi feien força forats, i com més grans millor, i poder amagar les nous, avellanes, figues i torrons, poc a poc s'anaven traient, a mesura que els cops anaven avançant i així fer cagar a la tronca. Un cop ho havia cagat tot, la tronca era cremada, encara que no tota, es guardava un bocinet, amb el qual s'encenia el foc del Nadal proper

1805 Nació Thomas Graham, químico británico.

Químico británico, conocido por sus investigaciones en la difusión de gases y líquidos y en la química de los coloides. Nació en Glasgow y estudió en las universidades de Edimburgo y su ciudad natal. Enseñó química en Glasgow y en el University College de la Universidad de Londres. Desde 1855 hasta su muerte fue director de la Real Fábrica de Moneda. Graham demostró que la velocidad de difusión de un gas a través de un tabique poroso es inversamen-

Ecuación ley Graham

te proporcional a la raíz cuadrada de su densidad (conocida como la ley de

Graham.

 En el campo de la química de los coloides fue el primero en distinguir entre estos y cristaloides. Descubrió el método de la diálisis para separar los coloides de una serie de soluciones.

1953 Fallece Robert Andrews Millikan, físico estadounidense, Premio Nobel de Física en 1923.

Nació el 22 de marzo de 1868, en Morrison, Illinois (EE.UU.), el segundo hijo del reverendo Silas Millikan Franklin y Mary Jane Andrews. Sus abuelos eran de la vieja de valores de Nueva Inglaterra, que había llegado a América antes de 1750, y fueron los colonos pioneros en el Medio Oeste. Llevó una existencia rural en la infancia, que asistieron a la Maquoketa High School (Iowa). Después de trabajar durante un corto tiempo como reportero de la corte, entró en la universidad de Oberlin (Ohio) en 1886. Durante su pregrado sus temas favoritos eran el griego y matemáticas, pero después de su graduación en 1891 él tomó, durante dos años, un puesto docente en física elemental. Fue durante este período que él desarrolló su interés en el tema en el que estaba más adelante para sobresalir. En 1893, después de obtener su maestría en física, fue nombrado Fellow en Ciencias Físicas por la Universidad de Columbia. Que luego recibió su doctorado (1895) para la investigación sobre la polarización de la luz emitida por las superficies incandescentes -. Utilizando para este fin el oro fundido y plata en la Casa de Moneda de EE.UU. en la instigación de sus profesores, Millikan pasó un año (1895-1896) en Alemania, en las Universidades de Berlín y Göttingen. Regresó a la invitación de AA Michelson, para convertirse en asistente en el recientemente creado Laboratorio de Ryerson en la Universidad de Chicago (1896). Millikan fue un eminente maestro, pasando por los grados de costumbre se convirtió en profesor de esa universidad en 1910, cargo que mantuvo hasta 1921. Durante sus primeros años en Chicago pasó mucho tiempo la preparación de libros de texto y la simplificación de la enseñanza de la física. Él fue autor o co-autor de los libros siguientes: un curso universitario de Física, con SW Stratton (1898), Mecánica, Física Molecular, y el Heat (1902), La teoría de la óptica, con CR Mann traducido del (alemán 1903 ), un primer curso de Física, con HG Gale (1906), un curso de laboratorio de Física para Escuelas Secundarias, con HG Gale (1907), electricidad, sonido y luz, con J. Mills (1908); Física Práctica - revisión de un primer curso (1920), El Electrón (1917,.. rev eds 1924, 1935). Como científico, Millikan hizo numerosos descubrimientos trascendentales, principalmente en los campos de la electricidad, la óptica y la física molecular. Su primer gran éxito fue la determinación precisa de la carga que lleva un electrón, con el elegante "caer gota método", sino que también demostró que esta cantidad era una constante para todos los electrones (1910), demostrando así la estructura atómica de la electricidad. A continuación, se comprueba experimentalmente tan importante ecuación fotoeléctrica de Einstein, e hizo la primera determinación directa fotoeléctrica de la constante h de Planck (1.912 a 1,915). Además de sus estudios de los movimientos browniano en los gases de poner fin a toda la oposición a las teorías atómica y cinética de la materia. Durante 1920-1923, Millikan se dedicó a la labor relativa a la espectroscopia de chispa en caliente de los elementos (que exploró la región del espectro entre el ultravioleta y la radiación X), ampliando así el espectro ultravioleta hacia abajo más allá del límite entonces conocido. El descubrimiento de su ley de movimiento de una partícula que cae hacia la tierra después de entrar en la atmósfera de la Tierra, junto con sus otras investigaciones sobre los fenómenos eléctricos, que lo llevó a sus estudios significativos de la radiación cósmica (en particular con las cámaras de ionización). A lo largo de su Millikan vida sigue siendo un autor prolífico, haciendo numerosas contribuciones a revistas científicas. No sólo era un científico importante, pero su carácter religioso y filosófico fue evidente a partir de sus conferencias sobre la conciliación de la ciencia y la religión, y de sus libros: Ciencia y Vida (1924), Evolución de la Ciencia y la Religión (1927), Ciencia y la Nueva Civilización (1930), tiempo, materia y Valores (1932). Poco antes de su muerte publicó Electrones (+ y -), protones, fotones, neutrones, Mesotrons, y los rayos cósmicos (1947, rev ed otro de los electrones, se ha mencionado anteriormente,..) y su Autobiografía (1950). Durante la Segunda Guerra Mundial I, Millikan fue Vice-Presidente del Consejo Superior de Investigaciones Científicas, jugando un papel importante en el desarrollo de dispositivos anti-submarinos y meteorológicos. En 1921, fue nombrado Director del Laboratorio de Norman Puente de la Física en el Instituto de Tecnología de California, en Pasadena, fue nombrado también Presidente del Consejo Ejecutivo de ese instituto. En 1946 se retiró de su cargo. Profesor Millikan ha sido Presidente de la Sociedad Americana de Física, Vice-Presidente de la Asociación Americana para el Avance de la Ciencia, y fue el miembro estadounidense del Comité de Cooperación Intelectual de la Sociedad de Naciones, y el representante estadounidense en el Congreso Internacional de la física, conocido como el Congreso Solvay, en Bruselas en 1921. Él llevó a cabo honorario médico grados de algunas universidades de veinticinco años, y era un miembro o miembro honorario de muchas instituciones de enseñanza en su país y el extranjero. Ha sido galardonado con el Premio Comstock de la Academia Nacional de Ciencias, de la Medalla Edison del Instituto Americano de Ingenieros Eléctricos, de la Medalla Hughes de la Royal Society de Gran Bretaña, y del Premio Nobel de Física 1923. También fue nombrado Comandante de la Legión de Honor, y recibió la Orden del Jade de China. Millikan fue un entusiasta jugador de tenis, golf y fue también uno de sus recreaciones. Profesor Millikan se casó con Greta Erwin Blanchard en 1902, tuvieron tres hijos: Clark Blanchard, Glenn Allen, y Franklin Max. Murió el 19 de diciembre de 1953, en San Marino, California

1892 Tchaikovsky estrena El Cascanueces en San Petersburgo ante la presencia del Zar.

El cascanueces (en ruso: Щелкунчик, Shchelkúnchik) Op. 71 es un cuento de hadas-ballet en dos actos y tres escenas de Piotr Ilich Chaikovski (1840–1893), compuesto en 1891–1892. Chaikovski puso música a la adaptación de Alejandro Dumas (padre) del cuento El cascanueces y el rey de los ratones, de Ernst Theodor Amadeus Hoffmann (puesta en escena por Marius Petipa y encargado por el director de los Teatros Imperiales Iván Vsevolozhski en 1891). En los países occidentales El cascanueces se ha convertido quizá en el más popular de todos los ballets, principalmente representado en Navidad.

El ballet se estrenó junto con la ópera final de Chaikovski, Yolanta, el 18 de diciembre de 1892 en el Teatro Mariinski en San Petersburgo, Rusia.

El cuento se ha publicado en muchas versiones, algunas llenas de color para los niños. El argumento se centra en una niña alemana llamada Clara Stahlbaum o Clara Silverhaus. En algunas representaciones de El cascanueces Clara se llama Marie o María. (En el cuento original de Hoffmann la niña se llama justamente Marie -o María-, mientras que Clara —o Klärchen— es el nombre de una de sus muñecas).

Primer acto

La obra empieza con una obertura «en miniatura», que da comienzo igualmente a la Suite. La música crea un ambiente propio de cuento de hadas mediante los registros altos de la orquesta. El telón se abre y muestra la casa de los Stahlbaum, en la cual se prepara la fiesta de la víspera de la Navidad. Clara, su hermanito Fritz y sus padres están celebrando la noche con amigos y familia, cuando entra el padrino misterioso, Herr Drosselmeyer, quien rápidamente saca un saco de regalos para todos los niños. Todos están felices, salvo Clara, que no ha recibido aún ningún regalo. Herr Drosselmeyer le muestra entonces tres muñecas de tamaño natural que bailan por turnos. Una vez que han acabado, Clara se acerca a Herr Drosselmeyer para pedirle un regalo, pero ya no le queda ninguno y Clara, decepcionada, corre a hacia su madre con lágrimas en los ojos.

Drosselmeyer saca luego un juguete, el cascanueces, con la forma de un soldado en uniforme tradicional de formación. Como los otros niños no lo quieren se lo da a Clara, que lo acepta con muestras de felicidad, pero su hermano lo rompe en un ataque de envidia.

La fiesta termina, suena el aire popular alemán Großvater Tanz y la familia Stahlbaum va a dormir. Mientras todos están acostados, Herr Drosselmeyer repara el Cascanueces. Cuando el reloj da la medianoche, Clara baja a hurtadillas a contemplar su querido cascanueces y oye a los ratones. No sabe si aún está soñando y trata de escapar, pero los ratones la detienen. El árbol de Navidad de repente se vuelve enorme, ocupando toda la habitación. El cascanueces cobra vida y junto a sus soldados defienden a Clara. El Rey de los ratones dirige al resto de roedores a la batalla. Aquí Chaikovski retoma el clima «de miniatura» de la obertura, y emplea los registros altos de la orquesta para la escena de la batalla.

Se sucede un enfrentamiento, y cuando Clara tira un zapato al rey de los ratones y le sujeta por la cola, el Cascanueces se lanza contra él y le hiere mortalmente. Los ratones lo recogen y se lo llevan en retirada. Después, el Cascanueces se convierte en un príncipe. En el cuento original de Hoffmann y en las versiones del Ballet Real de 1985 y 2001, el príncipe es el sobrino de Drosselmeyer, a quien el rey de los ratones había convertido en un Cascanueces, y todos los acontecimientos posteriores de la fiesta de Navidad han sido llevados a cabo por Drosselmeyer para eliminar el hechizo.

Clara y el príncipe viajan entonces a un mundo donde un grupo danzante de copos de nieve los saludan y donde hadas y reinas les dan la bienvenida bailando. El telón cae y termina el primer acto.

Segundo acto

Clara, el Cascanueces y Drosselmeyer llegan al Reino de los Dulces donde los recibe el Hada de Azúcar, su Caballero y el resto de los dulces. Se suceden una danza española, identificada con el chocolate, una china, a veces con el té, una árabes, Café, y una rusa, a veces Bastones de caramelo. La danza rusa es el Trepak), Mamá Jengibre y sus Polichinelas (a veces Bombones, o Payasos de la corte en la representación de Mijaíl Barýshnikov), las Flautas de lengüeta (a veces Pastoras de Marzipan o Mirlitons), el Hada de Azúcar, y el Vals de las Flores. Pero las danzas en el Reino de los Dulces no siempre siguen el mismo orden.

Después de las celebraciones, Clara se despierta bajo el árbol navideño con su cascanueces de madera, alegre por su maravillosa aventura, y cae el telón. Sin embargo, en la versión de Balanchine, nunca se ve a Clara despertándose, sino que tras todas las danzas en el Reino de los Dulces, ella y el Príncipe Cascanueces se deslizan en un trineo tirado por renos y finaliza la obra. El sueño ha sido real, como en el cuento original de Hoffmann. La versión del Ballet Real también lo representa de esta manera. Finalmente, el sobrino de Drosselmeyer, que había sido transformado en cascanueces, reaparece bajo forma humana en la juguetería de su tío. 

 

1790 Es encontrado el Calendario Azteca o Piedra del Sol.

La Piedra del Sol, también conocida como Calendario Azteca, pertenece a la cultura mexica, del pasado prehispánico mesoamericano.

Este enorme monumento pudo haber funcionado como base de los sistemas calendáricos solar y ritual, y como punto de partida de complicadas observaciones astronómicas.
No se ha determinado la ubicación original exacta de este monumento pero se sabe que se encontraba en algún sitio de la plaza principal de Tenochtitlan, donde se encontraban el Templo Mayor y los principales edificios de culto y poder político.

Hallazgo
La Piedra del Sol fue descubierta el 17 de diciembre de 1790 en el costado sur de la Plaza Mayor de la ciudad de México, en un área cercana a la acequia que corría por el costado meridional del Palacio Nacional. Durante los trabajos de nivelación de la plaza, en 1790, se descubrieron las dos "piedras" más famosas de la antigüedad indígena: la Coatlicue Máxima y la Piedra del Sol o Calendario Azteca. La Coatlicue quedó arrumbada en el patio de la Real Universidad y después se volvió a enterrar, y el Calendario fue adosado a un muro de la Catedral.
El primer estudio sobre la Piedra del Sol lo hizo Antonio León y Gama en 1792. Desde entonces, se han realizado infinidad de estudios sobre el monolito. Una de las preguntas que constantes sobre esta escultura calendárica es si su posición era horizontal o vertical. Ahora se sabe que la posición de la Piedra del Sol debía ser horizontal y mostraba la imagen del relieve solar como en muchos otros monumentos de forma cilíndrica. También se han hecho varias propuestas sobre el valor numérico de cada uno de los elementos presentes en el relieve, de tal manera que gracias a complicadas operaciones matemáticas, se supone que el monolito representa la suma de observaciones astronómicas y es el resultado de complicados cómputos calendáricos.
De la Catedral al Museo Nacional

Tras su descubrimiento, la Piedra del Sol se colocó en el muro del costado poniente de una de las torres de la Catedral metropolitana. Aquí, la escultura se deterioró no sólo por estar al aire libre sino sobre todo porque, según los cronistas de la época, la gente lanzaba inmundicias y fruta podrida al relieve calendárico. Incluso los soldados que ocuparon la ciudad de México mataban el tiempo "tirando al blanco" al rostro de la deidad.

En 1885 los militares del gobierno porfiriano desprendieron el monolito del muro de la Catedral, para conducirlo al salón principal del Museo Nacional, que estaba ubicado (desde el gobierno de Maximiliano) en uno de los patios del Palacio Nacional, con salida a la calle de Moneda. El Calendario Azteca se conviritió en la pieza central de la "Galería de Monolitos", que se fundó en 1887.

Simbolismo de la Piedra del Sol

La Piedra del Sol es un monumento de carácter solar que muestra elementos relacionados con el transcurrir del tiempo. El diseño de esta enorme escultura se compone de una imagen central rodeada de cinco círculos concéntricos. En cada una de estas bandas circulares aparecen elementos que conforman el sentido simbólico de connotación calendárica de este relieve.

16 DE DICIEMBRE DE 1770 NACE EL COMPOSITOR LUDWING VAN BEETHOVEN

Compositor alemán. Con él se inicia una nueva fase en la historia de la música: EL ROMANTICISMO.
 Nació en el seno de una familia de tradiciones artísticas, es hijo de un tenor, bohemio y bebedor, que enseguida advierte las extraordinarias cualidades de su hijo para la música.

Su infancia transcurrió triste y enfermiza, dedicada al estudio de la música. A los ocho años da su primer concierto, en Colonia, y hace un pequeño viaje por Holanda. Su formación, un tanto desordenada, ha corrido a cargo de algunos amigos de su padre. Gracias a Christian Nelfe, organista de la corte, su verdadero maestro, conoce las obras de Bach y de Handel.
A los 12 años es ya un gran intérprete, tanto con el piano como con el órgano, tocando la viola en la orquesta del archiduque. Ayudado por su profesor y por algunos aristocráticos personajes, pudo viajar a Viena en 1787, donde la leyenda cuenta que tocó para Mozart, genio indiscutible del momento, quien, asombrado, dijo: «Fijaos en este hombre... dará que hablar al mundo». Pero Ludwig tiene que regresar a Bonn: su madre había muerto y su padre sólo vivía para el alcohol. Tiene que ocupar el puesto del cabeza de familia, trabajando durante

cinco años, dedicando cualquier rato libre al estudio y a la composición.
Tras la muerte de su padre, se instala definitivamente en Viena (1792), donde encuentra a sus verdaderos y grandes maestros: Haydn, Salieri y Albrechtsberger. Se centra ya en la composición, aunque a veces actúa como concertista. Su fama, sus éxitos empiezan a encumbrarle. En 1796 comienza a sentir los primeros trastornos de sordera, que será completa a partir de 1819.
Julieta Guicciardi será su primer amor contrariado. No se casará jamás, pero siempre habrá una mujer en su vida. Bettina Brentano, una poetisa de 20 años, a la que Ludwig conoce en 1810 y que será otro de sus amores, le presenta a Goethe en Toplitz. Beethoven vive una situación estable, desde el punto de vista económico, y la crítica le considera un genio llamado a ser el sucesor de Mozart. Su producción artística no se interrumpe. Comienza la composición de las sinfonías y concluye sus cánticos espirituales. Dedica la tercer sinfonía a Napoleón, guerrero victorioso y tenaz, dedicatoria que destruye cuando se entera de su coronación como emperador. En 1808 compone su magistral «Quinta Sinfonía», y en 1823, la «Novena», que se estrena al siguiente año. En los últimos tiempos, agudizada su enfermedad intestinal y completamente sordo, recibe la ayuda de la Sociedad Filarmónica de Londres.

Es tradicional dividir la producción beethoveniana en tres etapas.

La primera, vivida bajo la influencia más de Haydn que de Mozart, aunque no le falte su personal sello, esta representada en obras como «Sonata patética», algunos de los tiempos lentos de los primeros cuartetos y «Adelaida».

 La segunda, está llena de las más bellas muestras de madurez artística, desde la «Tercera Sinfonía» hasta la «Novena», el «Trío en si mayor», la «Sonata Kreutzer», los «Cuartetos», «Fidelio», su intento de crear una ópera auténticamente alemana, y «La batalla de Vitoria», una obra de circunstancias que, sin embargo, fue un éxito clamoroso cuando se interpretó durante el Congreso de Viena.

La tercera época, la preferida por todo el romanticismo, está representada por su «Misa solemne», las «Bagatelas», para piano, y su «Novena Sinfonía», cima de la música universal.

Obras: Para orquesta, compuso 9 sinfonías, 7 oberturas, 5 conciertos para piano y orquesta, l para violín y orquesta, 1 para piano, violín, violonchelo y orquesta, música de ballet y danzas. Música de cámara: 16 cuartetos, 3 quintetos, 15 tríos, 10 sonatas para violín y piano, 2 sonatas para violonchelo y piano, sexteto, septimino, octeto, serenatas, danzas y variaciones. Para piano: 32 sonatas, 2 sonatinas, 22 series de variaciones, bagatelas, obras menores y para cuatro manos. Canto: Series de «lieder», «Misa en do mayor», «Misa solemne», «Cristo en el Monte de los Olivos» y varias cantatas. Música de teatro: «Fidelio», «Egmont», «Las ruinas de Atenas» y «Opferlied».

Un canto a la alegría

Las orquestas de prestigio suelen incluir en su repertorio dos de las mas celebradas sinfonías de Beethoven, la Quinta y la Novena (abajo, la Orquesta Sinfónica de Viena interpretando la Novena, Coral).  De hecho, el cuarto movimiento de la Novena Sinfonía es el favorito del gran público.  Beethoven opto por celebrar la unidad y l vida de todos los hombres en armonía con la naturaleza y con Dios.  Lo tradujo musicalmente en una oda entusiasta, en la que la orquesta y las voces se funden en un himno con la solemnidad del canto gregoriano y la alegría de la música en estado puro.

Quinta Sinfonía

Un prodigio de alternancia: sin introducción, sus cuatro movimientos van desde la tensa construcción del primero a la solemnidad del segundo, pasando por la crispación instrumental del tercero y la apoteosis del cuarto, un insólito crescenso de 50 compases (1808). 

Novena Sinfonía

Se llama Coral por el cuarto movimiento, la famosa Oda a la alegría, un poema de Friedrich V. Schiller adaptado por Beethoven.  Fue estrenada, en el Teatro de la Corte Imperial de Viena, 1824.  En 1972 el Consejo de Europa eligió a la Oda a la alegría como himno europeo.

CRONOLOGÍA: 

17-12-1770: Ludwig van Beethoven es bautizado en Bonn (Alemania).

1774: Nace su primer hermano, llamado Kart Kaspar.  Goethe publica las desgracias del joven Werther. 

1776: Nace su segundo hermano, Nikolaus Johann. 

1778: Da su primer concierto en Colonia (Alemania).  A los 8 años ya es considerado como un niño prodigio. 

1787: Se traslada a Viena, donde alcanzara el éxito.  Muere su madre y Beethoven debe regresar a Bonn. 

1791: Mozart, uno de sus maestros, muere en la miseria absoluta. 

1792: Se instala en Viena, donde vivirá hasta su muerte.  Muere su padre (derecha).  El cuida de sus hermanos. 

1796: Aparecen sus primeros síntomas de sordera. 

1802: Describe su pesar en el Testamento de Heili-genstadt.  Su sordera ya es total, pero sigue componiendo. 

1804: Napoleón se proclama emperador de Francia.  Beethoven le retira la dedicatoria a su 3ª Sinfonía. 

1805: Estrena su única opera Fidelio, que no triunfara hasta 1816. 

1808: Viena celebra con orgullo su magistral 5ª Sinfonía. 

1812: Escribe la famosa carta a su “amada inmortal”. 

1815: Suicidio de Kart Kaspar.  Beethoven, que había quedado como tutor de su hermano, se culpa de su muerte. 

1824: Beethoven estrena con gran éxito su Novena Sinfonía.  Es su última aparición en público.  Enferma de gravedad. 

26-3-1827: Beethoven muere en Viena a los 57 años.

GERHART HAUPTMANN OBTUVO EL PREMIO NOBEL DE LITERATURA EN 1912

Tras la escuela secundaria, fue enviado a una granja de un tío suyo para aprender agricultura, pero al cabo de un año y medio, lo dejó a causa de su mala salud. Recibió clases de Escultura en Breslau y de Filosofía  e Historia de la Literatura en la Universidad de Jena, abandonando los estudios en ambas. Marchó dos años a Italia para dedicarse a la escultura, pero fracasó. A su retorno, estudió en Dresde y Berlín, abandonando de nuevo los estudios. Se afincó en Berlín para dedicarse a la literatura, alcanzando el éxito y representando sus obras de teatro. Marchó a Schreiberhau continuando su labor creadora. Supo contemporizar con los movimientos políticos de la época, incluso con el partido nazi, al que se afilió. También triunfó como director teatral. Recibió numerosos premios y honores, siendo nombrado Doctor Honoris Causa por varias Universidades. Fue autor de poemas, ensayos, novelas y especialmente obras teatrales, dentro del naturalismo alemán, del que se le considera uno de sus fundadores.

Obra de Gerhart Hauptmann

La isla de la Gran Madre

1921

El hereje de Soana

1918

El loco en Cristo Emanuel Quint

1910

¡Y Pipa baila!

1906

Rose Bernd

1903

Antes de amanecer

1889

El abrigo de castor

1894

El carretero Henschel

1898

El guardabarreras de Theil

1888

La ascensión de Hannele al cielo

1893

La campana sumergida

1896

Los tejedores

14 de diciembre de 1911, la bandera noruega se izó en el Polo.

Roald Amundsen. Amundsen nació en 1872,  cerca de la ciudad de Sarpsborg, al sudeste de Noruega. Tras abandonar una planificada carrera de medicina, decidió dedicar su vida a la exploración polar. Como marinero cualificado, trabajó a bordo de un barco mercante en el Ártico hasta embarcarse contratado como primer oficial en el “Bélgica”, el primer barco que permaneció un invierno en el Antártico. La experiencia que adquirió en estos viajes proporcionó a Amundsen suficiente confianza para abordar un reto que habían afrontado todos los navegantes desde hacía trescientos años: el paso del noroeste. Los exploradores supieron durante mucho tiempo de la existencia de ese paso que unía Europa con Asia, al norte de América del Norte, pero ningún barco había conseguido atravesarlo en toda su longitud. Amundsen compró un robusto barco de 45 toneladas, el “Gjøa”, que, equipado con velas  y con un motor de 13 caballos de vapor, zarpó del fiordo de Oslo en el verano de 1903 y, con sus seis tripulantes, se dispuso a hacer la travesía por las descongeladas aguas del paso del noroeste.
La expedición tuvo éxito y, en agosto de 1906, el “Gjøa” se abrió paso a través de los tramos finales. Durante el recorrido, también recogieron abundantes datos científicos, de los que el más importante era el referente al magnetismo de la Tierra y las observaciones de la localización exacta del Polo Norte magnético. Además, recopilaron material etnográfico relativo a la población esquimal que habitaba a lo largo del pasaje del noroeste.
Animado por este primer triunfo, Amundsen volvió su atención hacia el Polo Norte. Planeó dejar que su barco quedara atrapado en los hielos al norte del estrecho de Bering, pero el respaldo financiero era difícil de conseguir. En septiembre de 1909 llegaron noticias de que los americanos Robert Peary y Fredrick Cook habían alcanzado el Polo. Amundsen decidió entonces posponer su expedición al Polo Norte y hacer mientras tanto una tentativa de alcanzar el Polo Sur antes que Robert Falcon Scott, que ya había partido hacia el Antártico a la cabeza de una gran expedición.
En agosto, Amundsen puso rumbo al Sur a bordo del “Fram”, que Nansen había puesto a su disposición. Para atravesar el estrecho de Bering, los barcos debían entonces rodear el Cabo de Hornos. Por tanto, nadie sospechaba un cambio de planes cuando el “Fram” se dirigió hacia el Sur.
Cuando el navío se detuvo en Madeira, Amundsen informó a los miembros de la expedición de que iban rumbo al Sur y no al Norte. Enviaron un telegrama a Scott, informando de que la expedición noruega se dirigía al Antártico. La dramática carrera que se produjo a continuación sigue cautivando al público hoy en día.
Amundsen situó su campamento base en la Bahía de las Ballenas, más cerca del Polo Sur que el punto de partida de Scott, McMurdo Sound. A pesar de que el terreno entre la Bahía de las Ballenas y el Polo no se conocía, Scott seguiría una ruta marcada por su compatriota Shackleton en 1908. El 19 de octubre de 1911, Amundsen abandonó el campamento base con sus cuatro compañeros, cuatro trineos y 52 perros. La misión de Amundsen sólo tenía una meta: alcanzar el Polo rápidamente. Dos meses después se cumplió esta tarea, cinco semanas antes de que Scott y sus exhaustos hombres llegaran al Polo y encontraran la bandera y la tienda de Amundsen. El 14 de diciembre de 1911, la bandera noruega se izó en el Polo. El equipo noruego había cruzado la peligrosa Barrera de Ross, para alcanzar la falda de una cadena montañosa enlazada con glaciares. Continuar avanzando parecía peligroso, pero gracias a la pericia y a una justa porción de buena suerte, los hombres forzaron su subida al Glaciar Heiberg, cruzaron la cadena montañosa y llegaron a la meseta que llevaba al Polo. Para un explorador del calibre de Amundsen, no había desafíos mayores, pero todavía había una cosa que quería hacer: explorar el Océano Ártico desde el aire. En 1925, llevó a cabo una osada expedición en dos hidroaviones, el N24 y el N25. Los aviones tuvieron que realizar un aterrizaje forzoso sobre el hielo a 88 grados norte, pero el equipo consiguió que uno de ellos volara de nuevo y volviera a Svalbard tres semanas después. La American Lincoln Ellsworth había financiado y tomado parte en la expedición de hidroaviones junto con Amundsen. Al año siguiente, Roald Amundsen, junto con Ellsworth y el italiano Umberto Nobile, dirigió una expedición a bordo del dirigible “Norge” (Noruega), desde Svalbard pasando por el Polo Norte hasta Alaska. Los exploradores pasaron sobre territorios desconocidos hasta entonces, rellenando el territorio en blanco en el mapa del mundo. La exploración del Ártico constituyó la vida entera de Amundsen, pero también sería la causa de su muerte. Cuando Nobile, dos años después, embarcó en una segunda expedición al Ártico volando a bordo del “Italia”, hermano gemelo del “Norge”, la expedición desapareció. Amundsen reunió un grupo de búsqueda que partió en un intento de dar con los desaparecidos. Un segundo grupo de búsqueda encontró el dirigible y a Nobile, vivo, pero Amundsen y sus compañeros nunca volvieron.

Introducción a la obra del escultor Donatello

Nacido en Florencia alrededor del año de 1386, ya desde joven es posible encontrarle ejerciendo el oficio de escultor (hacia 1407 aparece documentado en el taller de la Catedral de Florencia, para la que realizará una serie de estatuas que dejan entrever lo que será su posterior evolución).

Preocupado por el movimiento y el naturalismo desde los comienzos de sus trayectoria, en 1410 el encargo de una escultura para un nicho de la fachada de Or San Michele le va a permitir continuar ensayando modos de representación de la estatuaria de gran tamaño, dando lugar a la ejecución, entre otras obras, de un San Marcos o un excepcional y plenamente renacentista San Jorge (1417). Se cree que sobre estos años comenzaría también la realización, por encargo de la familia Cavalcanti, de la Anunciación de Santa Croce (aunque existen autores que datan la ejecución de esta pieza bastante más tarde, en la década de los cuarenta) y procedería a esculpir las estatuas para el Campanile florentino.

Habitualmente se ha establecido este periodo inicial como el de formación (en algunas de cuyas primerísimas obras aún pervivirían retazos góticos), considerándose su producción a partir de 1425 (fecha en la que comienza a trabajar con Michelozzo) propiamente clasicista. En la capital romana, ciudad a la que se trasladará con su nuevo colaborador hacia 1430 y donde habría pasado una estancia anteriormente con su amigo Brunelleschi estudiando el legado de la Antigüedad, dejará constancia de su maestría en piezas como El entierro de Cristo (1430-1433). Será a la vuelta cuando comience los relieves de la Cantoría de la Catedral de Florencia, en los cuales es apreciable el conocimiento de modelos clásicos.

Magnífico será el David en bronce (va a ser ésta una tipología recurrente en su obra) realizado hacia 1435 para el palacio que los Médici poseían en la Vía Larga florentina y que inaugurará una relación de colaboración con dicha familia. En esta obra se puede apreciar toda la madurez y el dominio de Donatello a la hora de representar la anatomía humana.

A partir de 1443 va a entrar en contacto con la corriente artística que se estaba desarrollando en Padua, hecho que resultará decisivo en el giro que tomará su escultura durante la segunda mitad del siglo (se tornará mucho más expresiva). La fabulosa estatua ecuestre de El Gattamelatta (que tanto debe a la herencia clásica romana) o los relieves y esculturas realizados para el altar de la Basílica del Santo (alejados ya de aquellos primeros florentinos) forman parte de la herencia que Donatello dejará a ésta ciudad. A esta última etapa pertenecen también los Milagros de San Antonio, la composición de Judith y Holofernes y su "terrible" María Magdalena en madera (estas dos últimas obras ya en Florencia, ciudad en la que fallecerá en 1466).

La alta calidad de las obras donatellianas, así como la cantidad de las mismas, hace difícil una selección justa de ejemplos susceptibles de mostrar los principios y la belleza de su trabajo. Sin embargo, obras como la exquisita Anunciación realizada para la Iglesia de la Santa Croce florentina, la impresionante estatua ecuestre del Condottiero Gattamelata, sus dramáticos Zuccone y Mª Magdalena, el lírico David broncíneo o las escenas esculpidas para la Cantoría de la Catedral de Florencia puede decirse que son buenas muestras de su genialidad.

Ya Vasari, en el texto dedicado a Donatello dentro de las descripciones que realizara en su famosa obra Vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos […], alude a la pieza de La Anunciación de Santa Croce como aquélla que, por encima de otras obras de juventud, le habría dado fama, consagrándole como excepcional escultor. Tan sólo hace falta echar un rápido vistazo a dicha obra para comprobar el porqué de dicha afirmación, puesto que se trata de una de las más delicadas y vividas representaciones de La Anunciación que es posible encontrar. La influencia clásica es patente en el refinamiento, el modelo y los ropajes de las figuras (se ha querido ver en ocasiones incluso la influencia de Fidias en dicho conjunto), las cuales rezuman una sensibilidad en el gesto, teatralidad en la representación y perfección en la ejecución que debieron por fuerza dejar asombrados a sus contemporáneos.

Que el arte de la Antigüedad es importante en la obra de Donatello se puede apreciar en obras primerizas como el San Marcos (1410) de Or San Michele y el San Jorge posterior para idéntico lugar (se ha comparado con las estatuas del griego Lisipo), en la desnudez del complejo David en bronce (deudor de Praxíteles) o en los putti o amorcillos de herencia por completo clásica que aparecen en los relieves realizados para la Cantoría de Florencia Donatello además va a emplear la técnica del schiacciato en sus composiciones en relieve). Sin embargo, la genialidad de este maestro radica, no en el modelo empleado, sino en la capacidad que poseerá para llegar al retrato psicológico, único, individual, de sus personajes, por medio de la expresión (ejecutada con una maestría técnica insuperable) del sentimiento.

La preocupación por la representación de la figura humana en todas sus dimensiones, edades y actitudes se puede ver reflejada a lo largo de su evolución, siendo particularmente peculiar en su obra la oscilación existente entre sus primeras obras de corte clasicista y las últimas, de carácter mucho más expresionista (en ocasiones llega incluso a dejarlas inacabadas, uniéndose este hecho a la suma de elementos en común que ha dado pie a una comparación entre su obra y la de Miguel Ángel posteriormente).

Responsable de una de las primeras estatuas ecuestres del Renacimiento, deudora en su tipología de modelos clásicos romanos asimismo, el dramatismo que refleja la actitud y el rostro del personaje en cuestión (el Gattamelata o "Gata Melosa") es una muestra de la corriente trágica por la que discurrirá su producción última (y de la que será ejemplo su Mª Magdalena del Baptisterio de Florencia). Además, Donatello no elude la representación de la vejez o la fealdad, consustanciales ambas al individuo, llegando a producir estatuas que superan cualquier ideal propuesto con anterioridad, caso de su magnífico Profeta Hababuc, también llamado el Zuccone ("el calvo").

1900 Max Planck expone su Teoría cuántica, base de la Física moderna.

La unificación de la mecánica cuántica, impulsada por Max Planck, con la relatividad general, propuesta por Albert Einstein, es una de las cuestiones más interesantes de la física moderna que todavía permanecen abiertas.

La relatividad general, la teoría que unifica la gravedad, el espacio y el tiempo, ofrece predicciones que resultan comprobables en la escala cósmica, la de las estrellas y las galaxias. Los efectos cuánticos, por otro lado, se suelen observar sólo a pequeña escala, por ejemplo al examinar átomos y partículas individuales. Por eso, resulta muy difícil poner a prueba la interacción entre la mecánica cuántica y la relatividad general.

Ahora, el equipo de los físicos teóricos Caslav Brukner y Magdalena Zych, de la Universidad de Viena, propone un nuevo y complejo experimento que podría permitir validar o descartar la superposición de las dos teorías. El objetivo del trabajo es medir la noción relativista general del tiempo en la escala cuántica.

Una de las predicciones de la relatividad general de Einstein es que la gravedad distorsiona el flujo del tiempo. La teoría predice que los relojes marcharán más lentos cerca de un cuerpo masivo, y más rápidos cuanto más alejados se encuentren de la acumulación de masa. Este efecto ha sido verificado con precisión en los experimentos clásicos, pero no en combinación con los efectos cuánticos, que es el objetivo del experimento ahora propuesto.

Éste se basaría en aprovechar la posibilidad de que una partícula individual pueda perder la propiedad clásica de tener una posición bien definida, es decir, que pueda adquirir el estado que en mecánica cuántica se conoce como superposición cuántica, un extraño estado cuántico en el que un sistema físico puede existir en más de una posición al mismo tiempo. Este estado, combinado con la circunstancia de que uno de los sitios estuviera cerca de la superficie de la Tierra y el otro lejos, abriría una vía para permitir poner a prueba la noción relativista del tiempo junto con la mecánica cuántica.

LOS" FUEROS DE SOBRARBE"

Poco sabemos de la realidad de los llamados "Fueros de Sobrarbe". No conocemos texto alguno, corto ni largo, que pueda identificarse como fuero otorgado en la edad media por algún Rey a esta comarca, o elaborado en ella o en ella aplicado.

Sin embargo, el mito de los Fueros de Sobrarbe fue muy importante en la vida política y en la ideología foral de Aragón, a partir del siglo XV.

Por ejemplo, en la "Prefación de la obra" que antepuso a la edición de los Fueros impresa en 1552 la Comisión encargada por las Cortes de este trabajo se cuenta como los aragoneses hicieron leyes "e instituyeron los Fueros de Sobrarbe: de manera que en Aragón primero hubo Leyes que Reyes" .

Desde entonces, esta expresión ("antes Leyes que Reyes") se imprimió en todas las ediciones de los Fueros ordenadas por la Diputación del Reino, y en muchas otras obras.
Otra variante del mito pone el énfasis en la creación del Justicia de Aragón.
El mito llega hasta nuestros días.

LOS PROCESOS FORALES

 

Los Fueros regulaban toda clase de procesos, con normas que, naturalmente, fueron evolucionando conforme cambiaban los tiempos.

Pero se recuerdan especialmente los "cuatro procesos forales", que suele decirse son los de manifestación, firma, aprehensión e inventario (también, "de agravios" -en lugar de firma-; y se añade a veces el de emparamento).

El más famoso, sin duda, es el de manifestación, que puede considerarse precedente de los recursos de amparo y de habeas corpus hoy comunes.

El proceso de manifestación de personas ponía en marcha la actuación del Justicia de Aragón para evitar la detención arbitraria de una persona por parte de cualquier juez (laico o eclesiástico) o de un particular. La persona "manifestada" era puesta a disposición del Justicia, que le daba "casa por cárcel" o lo custodiaba en la cárcel de manifestados mientras se dilucidaba si la detención era o no injusta.

FUEROS Y OBSERVANCIAS DEL REINO DE ARAGON

Los doce libros de los Fueros
Cuando los Fueros de Aragón se imprimen por vez primera (1476/77) la Compilación de 1247 constituye sólo una pequeña parte de sus páginas. En ediciones posteriores (1496, 1517, 1542) se siguieron adicionando los fueros nuevamente promulgados sin otro orden que el cronológico. A esta colección de fueros se le llama por ello "cronológica" y, a veces, los foristas la denominaban "Volumen viejo".
Constaba de doce libros. Los Fueros de 1247 ocupaban casi la totalidad de los ocho primeros, en los que se encontraban también los Fueros de Ejea de 1265 (origen legal conocido del Justicia de Aragón) y el Privilegio General de 1283.
Las Observancias
En los libros de los Fueros se encontraban las normas escritas más importantes que habían de aplicarse en los juicios civiles y criminales. Pero, además, los jueces aplicaban las Observancias, es decir, precedentes judiciales basados más o menos firmemente en la costumbre. Estas Observancias eran coleccionadas por foristas (como Pérez de Salanova o Jaime de Hospital), bajo su propia autoridad.
Las Cortes celebradas en Teruel en 1428 acuerdan encomendar a una comisión presidida por el Justicia Martín Díez de Aux que reúna en un volumen los usos, observancias y actos de Cortes del reino. Cumplen el encargo de manera selectiva y resumida, en nueve libros y en latín. Desde entonces la colección "oficial" de Observancias quedó inalterada, y se imprimió a continuación de los Fueros en todas las ediciones de éstos.
La Recopilación sistemática de los Fueros
En el siglo siguiente las Cortes encomiendan a otra comisión reformar el volumen de los fueros, sin alterar su contenido. El encargo es de 1547 y en 1552 se publican los Fueros reordenados en nueve libros. De ellos se apartaron los Fueros "no en uso", que se imprimen aparte . Hoy consideraríamos esta obra un "texto refundido". El texto fijado y la ordenación de sus títulos son repetidos  en todas las ediciones posteriores, que añaden cronológicamente los fueros que se van promulgando.
En Cortes de los siglos XVI y XVII se siguen aprobando Fueros, que se imprimen por última vez oficialmente por la Diputación del Reino en 1667.
Los "Actos de Corte"
Inmediatamente después (Cortes de 1552-53) se encomienda a otra comisión que componga una colección con los Actos de Cortes que convenga publicar, y que ésta se imprima, como de hecho ocurre en 1554. Los Actos de Corte abordan materias principalmente de Derecho administrativo y tributario y apenas inciden en el Derecho civil.
La "Nueva Planta" y después
A partir de 1711 ("Decretos de Nueva Planta") sólo seguirán vigentes los Fueros y las Observancias en cuanto regulen las relaciones "entre particular y particular" (sustancialmente, el Derecho civil).
En 1925, el "Apéndice al Código civil correspondiente al Derecho foral de Aragón" derogará totalmente "el Cuerpo legal denominado Fueros y Observancias del Reino de Aragón". Pero, a través del Apéndice, el Derecho civil aragonés llegará hasta nuestro días.

APENDICE DEL DERECHO FORAL ARAGONES (7-12-1925)

El Apéndice al Código civil correspondiente al Derecho foral de Aragón fue aprobado por real decreto de 7-XII-1925 para empezar a regir, con fuerza y autoridad de ley, el 2-I-1926, y derogado por la vigente Compilación del Derecho civil de Aragón de 8-IV-1967.
Con referencia al conjunto de los Derechos civiles de España, corresponde al sistema intentado por la ley de bases para el Código civil de 11-V-1888; y con referencia a la historia del Derecho aragonés, corresponde a una etapa de crisis y decadencia del mismo.
El movimiento codificador, con las connotaciones ideológicas y metódicas con que irrumpió en los ordenamientos europeos continentales, casaba mal con la realidad histórica y la naturaleza historicista de los Derechos forales y, por consiguiente, era instrumento útil a cualquier propósito centralista y uniformador. El intento esterilizador y erosionante de los Derechos forales , iniciado con los decretos llamados de Nueva Planta , descubrió en el Código, a partir de las Cortes de Cádiz, el arma con la que dar el tiro de gracia a la pluralidad jurídico-civil subsistente en España. Y, efectivamente, el Proyecto de 1851, pese a ser obra, principalmente, de un tafallés —don Florencio García Goyena—, sobre responder a inspiración foránea (napoleónica, concretamente), desconocía y, por tanto, erradicaba todos los Derechos forales, imponiéndose como único y uniforme cuerpo legal civil. Cabalmente, fue ésta una de las principales causas de su fracaso —no llegó a alcanzar vigencia— y de que el legislador iniciase nuevos tratamientos de la entonces llamada cuestión foral.
El real decreto de 2-II-1880 agregó a la Comisión de Códigos vocales representantes de los territorios forales, encargados de redactar respectivas memorias sobre las instituciones civiles que convenía conservar. La medida, empero, no condujo a ningún resultado práctico. El artículo 5 de la mencionada ley de bases de 1888 dispuso que «las provincias y territorios en que subsiste Derecho foral lo conservarán por ahora en toda su integridad...»; en consecuencia, los artículos 6 y 7 establecieron que el Gobierno, oyendo a la Comisión de Códigos, presentaría a las Cortes, en uno o varios proyectos de ley, los «Apéndices al Código civil» en los que se contuvieran aquellas instituciones forales «que convenga conservar»...
Solamente llegó a convertirse en ley el Apéndice, nada feliz, del Derecho de Aragón. Una comisión nombrada por la Diputación de Zaragoza (en la que se integraban Gil Berges , Escosura , Martón , Casajús , Ripollés , Isábal , Sasera y Serrano) redactó en 1899 un Proyecto de Código civil de Aragón. Nada se hizo en las esferas oficiales; pero, poco después, siendo ministro de Gracia y Justicia, Durán y Bas, dispuso el nombramiento de Comisiones especiales encargadas de redactar los correspondientes anteproyectos; en consecuencia, las Diputaciones y Colegios de Abogados de las tres provincias aragonesas, la Universidad Literaria de Zaragoza, la Academia Jurídico-Aragonesa  y el Colegio Notarial, nombraron una comisión integrada por los señores Gil Berges (presidente) y Torres, Vara de Aznárez, Aybar, Isábal, Gil y Gil, Casajús, Comín y Rufas (vocales). Aunque con notable retraso, la Comisión cumplió su cometido y, publicado en la imprenta del Hospicio con cargo a fondos provinciales, apareció en 29-II-1904 un extenso Proyecto de ley en el cual se contienen como Apéndice del Código civil general las instituciones forales y consuetudinarias que conviene conservar en concepto de excepción del mismo Código para el territorio de Aragón. Remitido al Ministerio el 17 de octubre, «durmió —en frase de Gil y Gil — el sueño de los justos»...
La circunstancia de haberse incorporado a la Comisión de Códigos don Marceliano Isábal, junto a la reacción producida por la arrolladora jurisprudencia uniformista en materia de sucesión intestada, propició que, en 1922, se pusiese nuevamente en marcha el proceso prelegislativo. Sobrevino, poco después, el advenimiento al poder del Directorio militar, que decretó, en 25-II-1924, el proyecto de Apéndice de Aragón ya ultimado por la Comisión de Códigos, que a la sazón presidió don Antonio Maura  y a la que se había agregado, como representante de Aragón, don Marceliano Isábal . El proyecto —que, por tanto, ya no procedía de comisión aragonesa, sino de la permanente de codificación, siquiera con representante foral— salió a información pública, en la que concurrieron, entre otros, Azpeitia, Vidal Tolosana  y Palá Mediano . Seguramente hay que atribuir a la inmensa personalidad de don Antonio Maura los recortes y modificaciones con que se elevó al Directorio el proyecto-base, que, a su vez, desmerecía bastante de los anteriores, en especial el de 1904. Y, según he dicho, fue aprobado y empezó a regir como ley en 2-I-1926.
Constaba de 77 artículos distribuidos en 15 epígrafes (no contenía Libros, Títulos, Capítulos ni Secciones), una disposición final como artículo 78 —derogatoria del cuerpo legal denominado «Fueros y Observancias del Reino de Aragón»— y una transitoria. Los epígrafes no respondían a una estructura sistemática ni seguían un orden propio (como el proyecto de 1904) sino el del Código civil; según la comunicación con la que Maura elevó el proyecto al Directorio militar, «para facilitar la inteligencia y la aplicación coordinada en Aragón de las disposiciones regionales y de las comunes allí vigentes».
Lo cierto es que el Apéndice merece más censuras que alabanzas. El sistema es, en cuanto tal, recusable por lo que tiene de dependencia y excepcionalidad y lo que carece de organicidad y suficiencia; aparte del riesgo que comporta: como observara don Juan Moneva, estábamos expuestos a que, previo diagnóstico de apendicitis, fuese extirpado... Pero, además, el Apéndice aragonés, en particular y en concreto, tampoco resultó satisfactorio: no recogía fielmente el espíritu del Derecho histórico, ni sus fuentes más genuinas, ni los matices de sus características; se apreciaban en él grandes y graves omisiones (comentando la reducción, en él, del cuerpo derogado, exclamaba Gil y Gil: «¡Muy a menos ha venido la familia!»...) y, por contra, en su escaso articulado, recogía algunas instituciones del Código e introducía novedades con relación al Derecho precedentemente vigente en Aragón (testamentos ológrafos y especiales, sucesión intestada, consejo de familia, representación en la línea colateral, etc.).
En cuanto a forma, su redacción resultaba enrevesada y barroca; adolecía de excesivo casuismo; habiendo omitido instituciones históricas, casi hacía alarde en la formulación de algunos preceptos concretos de repetir con las mismas palabras normas de aquél, hasta el extremo de puntualizar cuestiones que acaso debió dejar a la elaboración doctrinal, con lo que, además, algunos artículos resultaban excesivamente largos y farragosos...
La crítica doctrinal fue desfavorable; en especial, a partir del renacimiento de los estudios foralistas consecuente a la creación del Consejo de Estudios de Derecho Aragonés, a la celebración de las Semanas de Jaca y del Congreso Nacional de Derecho Civil de 1946 en Zaragoza. En buena hora, la Compilación de 1967 lo derogó y sustituyó por una articulación orgánica —Código, que no Apéndice— mucho más completa y más técnica; más matizada y más fiel.